Portateci a Torino. Crowdfunding contro la crisi

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Mirella Nania, Vita Nova, 2012
Mirella Nania, Vita Nova, 2012

In un periodo di profonda e perdurante crisi finanziaria, come quello in cui ci troviamo gettati, capita che, quasi allo scadere del tempo disponibile, ci si trovi a riconsiderare l’effettiva realizzabilità di un progetto che, preventivamente, si considerava certo e inattaccabile. Spariscono i vecchi sponsor e non se ne trovano di nuovi, i finanziamenti promessi tardano a concretizzarsi e i fondi in cassa sono un ricordo. In situazioni come queste, o ci si da per sconfitti, o ci si intestardisce, magari mossi dalla convinzione che il succitato progetto è realmente valido e non merita di venire accantonato in attesa di tempi migliori.

Anna Capolupo, Ordine, 2010
Anna Capolupo, Ordine, 2010

Quest’ultima reazione, orgogliosa e combattiva, è quella che ha spinto l’associazione culturale no profit Oesum Led Icima, che si occupa dell’organizzazione e promozione degli eventi artistici del MACA (Museo Arte Contemporanea Acri), a lanciare la sua prima campagna di crowdfunding. La finalità della raccolta fondi è quella di portare a conclusione la seconda annualità del progetto espositivo itinerante Young at Art, attraverso il quale, il museo di Acri, in Calabria, promuove il lavoro di un gruppo di giovani talenti della scena contemporanea regionale. Selezionati a inizio 2013 tra oltre 100 candidati, i 12 artisti che partecipano alla seconda edizione del progetto Young at Art (Anna Capolupo, Maurizio Cariati, Salvatore Colloridi, Marco Colonna, Giovanni Fava, Giuseppe Guerrisi, Salvatore Insana, Giulio Manglaviti, Domenico Mendicino, Mirella Nania, Gregorio Paone e Giusy Pirrotta) hanno già esposto le loro opere al MACA, tra l’aprile e il maggio scorsi e, successivamente, all’interno della VII edizione della Biennale d’arte contemporanea “Magna Grecia”, riscuotendo, in entrambi i casi, un buon riscontro di pubblico.

Giusy Pirrotta, Chroma (still from video)
Giusy Pirrotta, Chroma (still from video)

«Ma non è nulla in paragone al numero di visitatori e appassionati d’arte che si daranno appuntamento a Torino a partire dal 6 novembre – si legge nel comunicato stampa inviato per promuovere la campagna di crowdfunding –. Noi intendiamo intercettare più pubblico possibile, perché siamo convinti del valore dei 12 talenti artistici che compongono l’edizione 2013 di  Young at Art. Per questo motivo vogliamo portare la mostra itinerante nel cuore dell’azione, in uno spazio appositamente dedicato a loro all’interno di Paratissima, la più importante manifestazione off di Artissima che, nel 2012, ha richiamato a sé 100.000 visitatori».

Salvatore Insana, Space Time Lapse_out of this time
Salvatore Insana, Space Time Lapse_out of this time

L’associazione, allora, ha deciso di appoggiarsi alla piattaforma Kapipal, dando vita a una campagna di raccolta fondi che ha già visto qualche contributor farsi avanti, probabilmente attirato dai premi che sono stati messi a disposizione per le donazioni più generose: dai cataloghi delle tante mostre del MACA, sino alle coloratissime sculture in vetro realizzate dall’artista Silvio Vigliaturo, di cui il museo ospita un’ampia collezione. «Partecipare alla campagna di crowdfunding è facile, veloce, sicuro al 100% e lo si può fare a partire da un contributo minimo di 5 dollari andando al seguente link: http://www.kapipal.com/young-at-art».

Giovanni Fava, Senza titolo, 2008
Giovanni Fava, Senza titolo, 2008

Si tratta di un esperimento a cui l’associazione Oesum Led Icima si approccia con fiducia. « Crediamo fermamente nel progetto Young at Art, ed è per questo motivo che chiediamo un vostro aiuto, convinti che i 12 talenti che vi prendono parte meritino di essere visti e conosciuti da un pubblico vasto quanto può essere quello composto dai visitatori di Paratissima, e che essi possano dare un’immagine di una Calabria nuova, bella e ricca di creatività ».

info: http://youngatart2013.com; info@museomaca.it

La mostra più importante. Martin Scorsese a Torino

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«Lasciatemelo dire: è la mostra più importante che si tenga quest’anno a Torino». Con queste parole termina il breve intervento introduttivo di Ugo Nespolo, noto artista nonché presidente del Museo Nazionale del Cinema di Torino. È una frase che ci si aspetta venga proferita da qualsiasi presidente di una nota istituzione museale, in occasione di una qualsiasi grande mostra. Ci mancherebbe che Nespolo non cerchi di portare acqua al suo mulino. Eppure, il suo tono di voce, seppur nella fretta di terminare il proprio intervento nel minor tempo possibile, tradisce la soddisfazione, ampiamente condivisa dal resto dell’apparato del museo, di aver dato vita a qualcosa di bello, enormemente interessante e, per riprendere le sue parole, importante.

Il protagonista non può intervenire fisicamente, perché preso dalla fase di montaggio del suo prossimo film – The Wolf of Wall Street, con Leonardo Di Caprio nuovamente nella parte del protagonista –, ma fa sentire la sua presenza e il suo sentito apprezzamento tramite un breve video-messaggio. C’è una sua stretta collaboratrice a sostituirlo: Sandy Powell, costumista britannica candidata nove volte agli Academy Awards e vincitrice di tre statuette, una delle quali per The Aviator, film del 2004 con Leonardo Di Caprio, ancora lui, nei panni del miliardario Howard Hughes. Un capolavoro, certo, ma forse non tra i film migliori di Martin Scorsese e questo è già un’indicazione della sua grandezza come regista e come artista.

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Avendo a che fare con un nome del genere, sarebbe stato facile abbozzare una semplice mostra con una selezione di fotogrammi e immagini dal set e ottenere comunque l’attenzione del pubblico e dei media. Grazie alla splendida scenografia della Mole Antonelliana, che ospita il Museo del Cinema, sarebbe anche stato facile farla franca, ma Nespolo, il direttore Alberto Barbera e i curatori Kristina Jaspers e Nils Warnecke, della Deutsche Kinemathek di Berlino, che ha coprodotto l’evento, hanno probabilmente colto l’immoralità di rendere un omaggio solo di facciata a un tale genio vivente, e hanno lavorato puntigliosamente su ogni minimo dettaglio, dall’allestimento, alla ricchezza e varietà del materiale presente, sino al catalogo e al supporto iPad per rendere la visita ancor più approfondita e interattiva.

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La mostra SCORSESE raccoglie una mole enorme di materiali, molti dei quali inediti e di appartenenza dello stesso regista e del suo approfonditissimo archivio privato, e si snoda a partire dall’Aula del Tempio, cuore del museo torinese in cui troneggia la gigantesca statua del dannunziano Cabiria, in cui quattro teche contenenti i costumi originali di Gangs of New York, L’età dell’innocenza e Toro scatenato e un’affascinante mappa luminosa rendono omaggio alla New York scorsesiana, vera prima donna della maggior parte delle sua pellicole. Proseguendo sulla rampa elicoidale si entra in stretto contatto con la vita e il lavoro del regista, l’una fonte d’ispirazione dell’altro, declinate in nove tematiche esemplari: famiglia, fratelli, uomini e donne, eroi solitari, New York, cinema, riprese, montaggio e musica. Sarebbe facile aspettarsi che le fotografie che ritraggono Scorsese e i tanti grandissimi protagonisti dei suoi film siano la parte più affascinante dell’insieme, ma non è così, per quanto anche queste non manchino di interesse. Gli storyboard originali, tra cui quello di Taxi Driver, le sceneggiature, tutti i documenti in cui è viva e presente la mano del regista, attraverso note minuziose, sono le testimonianze più fertili della sua passione per il cinema e della mania connaturata al suo genio e la mostra ne è letteralmente piena, tanto da arrivare quasi a supplire alla mancata presenza del regista newyorkese all’evento.

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Questa è davvero una mostra importante e non soltanto per gli appassionati di cinema. Scorsese è uno dei più grandi autori della seconda metà del Novecento e non si meritava nulla di meno.

Fino al 15 settembre 2013
Museo Nazionale del Cinema
Mole Antonelliana
Via Montebello 20, Torino
Info: www.museocinema.it

"I miei disegni sono bandiere della gioia e della forza" – La Transavanguardia di Nicola De Maria

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Un giovane fotografo della provincia di Benevento si trasferisce a Torino per studiare medicina. Siamo all’inizio degli anni Settanta, un periodo in cui il capoluogo piemontese consolida la sua nomea di città industriale grigia, chiusa e stanca. Poco dopo sarebbe diventata anche pericolosa. Il ragazzo si laurea, potrebbe diventare medico, ma conosce i coniugi Merz, Mario e Marisa, che, forse intravedendo nei suoi scatti una spiccata sensibilità cromatica, lo introducono nell’ambiente artistico torinese, un mondo a parte, colorato e fantasioso – soprattutto fantasioso – , che non appare affatto appesantito dal piombo di quegli anni e vive ancora della spinta propulsiva dell’Arte Povera. È il 1977 e Torino è a tutti gli effetti una città pericolosa, ma lui non se ne va. Non se ne andrà mai più.

Nicola De Maria (Foglianise, 1954) abbandona la macchina fotografica per darsi al disegno e alla pittura, una scelta che viene subito premiata con l’interesse delle gallerie e dei critici d’arte più in voga, Achille Bonito Oliva su tutti, che farà di lui uno dei cinque protagonisti della Transavanguardia. I suoi disegni, le sue tele e i murales non hanno nulla di torinese: appaiono, anzi, esasperatamente vivaci e squillano di colori puri e di forme essenziali. Ancora oggi, entrando alla GAM, dove si è appena inaugurata la mostra I fogli che il vento mi sparge sono disegni di vento e di animali, è difficile non rimanere a bocca aperta. Le oltre 250 testimonianze su carta – acquerelli, tempere, ritagli, matite, tecniche miste – e le opere realizzate dall’artista appositamente per l’evento – un’opera muraria di dimensioni imponenti (9×4 m), due carte di grandi dimensioni (5x 2m) e alcune pitture parietali – sono una più rilucente e sgargiante dell’altra e trovano l’apoteosi nel murale Testa dell’artista cosmico: universo senza bombe (2013).

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L’arte di De Maria, oltre a essere cromaticamente esplosiva, è poetica e filosofica nei titoli e nelle intenzioni, ma ancor più intrigante è il suo aspetto ossessivo che si traduce nella necessaria ricerca della felicità, forse non così evidente nelle opere dei primi anni, che nell’uso feroce e apparentemente scriteriato della matita ricordano da vicino il maestro americano Cy Twombly, ma diventa evidente già a inizio anni Ottanta, nella ripetizione infinita di segni capaci di ridurre il fiore alla sua essenza iconografica, e di li a poco si palesa compiutamente in opere quali Universo senza bombe. Onde e suoni nel regno dei fiori (1983-1985) e Universo irrealistaaaaa (2004), in cui i colori si stendono su cartine geografiche, coprendole quasi completamente, tanto che il supporto è riconoscibile solo da molto vicino.

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La pittura di Nicola De Maria sembra volersi porre come una negazione cromatica del mondo reale e dei suoi mali, dando vita a universi fatti di losanghe di colori affascinanti e forme rassicuranti. La felicità che traspare a prima vista è costruita attraverso gesti drammatici e violenti, pennellate che si intersecano e sovrappongono, lasciando tracce visibili sul supporto pittorico. «I miei disegni – racconta l’artista – sono bandiere della gioia e della forza. Suonano le campane fugge l’infelicità dal mondo. I miei disegni sono fiori magici, usignoli fatati». Esseri che nascono in contrapposizione con i mali del mondo, per nasconderlo e farlo dimenticare. Sono gli universi onirici e fantastici in cui si rifugiano i bambini e lo sono nella forma e nei contenuti. Un giovane fotografo si trasferisce a Torino. Forse rimane colpito dal suo grigiore, dalla sua stanchezza e poi dalla sua violenza e a forza di matita e pennello decide di rimuoverne i mali e i traumi tratteggiando uno splendido universo di colori in cui evadere. Non lascerà più la città, ma non è detto che vi abbia mai vissuto davvero.

Fino al 29 settembre 2013
GAM
Via Magenta 31, Torino
Info: www.gamtorino.it

Sono Elliott Erwitt

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«Sono Elliott Erwitt e lo sono stato per un certo numero di anni». Lo è stato a lungo, dal 1928 per essere precisi, anno in cui è nato a Parigi da genitori russi di origine ebraica, per poi trasferirsi quasi subito a Milano e, pochi anni dopo, nel 1939, scappare con la famiglia negli Stati Uniti, per sfuggire al fascismo che aveva recepito le leggi razziali hitleriane. Lo è stato intensamente. Il suo sguardo attento e curioso, erede della lezione di Robert Capa – suo vicino di mostra, fino al 14 luglio a Palazzo Reale – ed Henry Cartier-Bresson, ha scrutato e immortalato un’importante porzione del Novecento e continua a posarsi, a volte impietoso, altre ironico o pungente, sul terzo millennio. È l’ultimo testimone di una generazione di fotografi che hanno fatto grande la Magnum e l’hanno resa sinonimo di fotogiornalismo e fotografia documentaria. Grazie al fortunato sodalizio tra l’agenzia americana e la città di Torino, è possibile vedere una ricchissima selezione dei suoi scatti a Palazzo Madama, fino al prossimo 1 settembre.

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Il percorso è composto da tre sezioni, ciascuna delle quali è incentrata su un tema significativo all’interno del vasto repertorio iconografico del fotografo, nel quale ricorrono frequentemente immagini di bambini, animali domestici, personaggi famosi, scatti pubblicitari, scorci di città, visitatori di musei, tutti colti con lucidità, prontezza e arguzia in pose originali, ironiche e rivelatrici di manie, stranezze, splendori e assurdità umane, immortalabili solo ed esclusivamente da un fotografo iniziato all’arte paziente e vigile del “momento decisivo”. «Si tratta di reagire a ciò che si vede, senza preconcetti – spiega Erwitt –. Si possono trovare immagini da fotografare ovunque, basta semplicemente notare le cose e la loro disposizione, interessarsi a ciò che ci circonda e occuparsi dell’umanità e della commedia umana».

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È soprattutto l’ironia di molte sue immagini a rendere unico il suo lavoro. La serie iniziale dei cani e quella finale di Museum watchers, in questo senso, sono emblematiche e sorprendenti per l’abilità con cui il fotografo riesce a umanizzare gli amici a quattro zampe – «i cani sono creature comprensive, presenti ovunque nel mondo. Non li disturba essere fotografati, non chiedono le stampe… essenzialmente per me sono persone interessanti con più peli» – e sbeffeggiare gli esseri umani.

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L’universo di Erwitt è infinito e infinitamente popolato. Qualsiasi manifestazione di umanità merita di farne parte, perché, per il fotografo e il suo “occhio nudo”, prima ancora che il contenuto è importante la forma. «Io non indago, scatto semplicemente, se le immagini assumono un significato per l’osservatore mi sta bene, ma va bene anche se ciò non accade. Queste [le fotografia della serie Middle Class] posso dire di averle realizzate al volo. Sono basate su varie osservazioni, che in fin dei conti è tutto ciò di cui la buona fotografia è fatta: principalmente osservazione dei fenomeni».

Grazie al cielo, Elliot Erwitt, continua a essere Elliott Erwitt.

Fino all’1 settembre 2013
Palazzo Madama
Piazza Castello, Corte Medievale
Info: www.palazzomadamatorino.it

Fijodor Benzo. Street art, psichedelia e rivoluzione

SAM 2012 MrfijodorC’è voluto del tempo perché la Street art venisse definitivamente sdoganata, ma ora, nelle grandi città come Torino, la scena urbana è vivace e apprezzata. Qui, capita di imbattersi in murales che rivitalizzano intere facciate grigie, come quelle di Palazzo Nuovo, sede delle facoltà umanistiche dell’Università, realizzate nel 2010 in occasione del festival d’arte urbana Picturn.

Culture colors your life TORINO 2010  Mrfijodor Corn79 Wens Piove Reser Truly Design«Quella prima edizione è stata importante – spiega Fijodor Benzo artista e anima dell’associazione Il Cerchio e le gocce, che del Picturin è la principale promotrice –. Abbiamo portato a Torino dei nomi importanti, anche dall’estero». Eppure, uno dei lavori che rimangono più impressi l’ha ideato lui, torinese d’adozione dal 2004. Culture colors life è un esempio delle capacità dell’artista, che coniuga una figurazione ironica e onirica, debitrice dei fumetti e dei cartoni animati, a una spiccata sensibilità cromatica. Se l’arte urbana non è più ghettizzata, è merito di artisti come lui, che vivono i muri come un luogo di sperimentazione. «Rispetto a prima si sono capite meglio le potenzialità dell’arte urbana e si sono sviluppate le capacità per rendere dei prodotti che fossero interessanti sulle grandi dimensioni. Sono aumentati il confronto e la competizione e gli artisti hanno dovuto sviluppare delle tecniche nuove per emergere».

Mrfijodor for WEEW Smart Design DIEFFE ART GALLERYL’arte di Fijodor, però, va oltre il muro, come testimoniano le opere il mostra alla galleria Dieffe di Torino, fino al 31 maggio 2013. Per tale occasione, l’artista ha decorato tre orologi creati da WEEW Smart Design. «L’uomo è un essere che rincorre il tempo e non può fare a meno di misurarlo – racconta l’artista delle tre opere –. La clessidra è stato il primo strumento di misura del tempo indipendente dalle osservazioni astronomiche. La clessidra, calcola un tempo approssimativo e variabile. Nel nostro quotidiano abbiamo molti mezzi che scandiscono il nostro tempo. Orologi inconsapevoli della nostra vita: dalla pausa caffè alla sigaretta, fino alle telefonate. Gli elefanti rosa nascono dal film Dumbo, realizzato dalla Disney nel 1941. Il piccolo elefantino ha una deformità alle orecchie, che gli provoca la derisione da parte dei personaggi del Circo nel quale vive. Una sera durante un allucinazione alcolica e psichedelica, dalla sua fantasia effervescente nascono gli elefanti rosa. Il giorno dopo, arriva l’idea di usare le sue grandi orecchie come ali per volare. Il suo difetto diventa il suo punto di forza. Nel mio immaginario gli elefantini rosa sono un simbolo di fantasia, psichedelica e di riscatto nei confronti della vita».

Natura Morta, il necessario per la sommossa- San Pietrini, molotov, limoni e tanta fantasia - 100x100cm - Mrfijodor 2013Oltre ai tre orologi, il cui ricavato dalla vendita sarà totalmente devoluto all’associazione UGI, che si occupa di bambini affetti da tumore e delle loro famiglie, la mostra presenta anche alcune tele realizzate da Fijodor. «Ultimamente, amo di più i miei lavori su tela. Sto lavorando con le ossidazioni e i giochi di trasparenze. Prima lavoro sul fondo astratto, poi nascono le figure, spesso ricorrenti, come gli elefantini rosa, che rappresentano la capacità di trasformare i propri difetti in punti di forza, oltre che la parte psichedelica e onirica». Questo è solo uno degli aspetti di gioiosa rivoluzione che traspare dalle sue opere. «Ora sto lavorando a una serie sulle rivolte popolari, trattandole sotto forma di natura morta. Sulle tele appaiono sampietrini e molotov che, esteticamente, devono molo a Morandi. Ho voluto rappresentare qualcosa di dinamico, come i moti di rivolta, attraverso una forma che fosse molto statica, come la natura morta».

Fino al 31 maggio 2013
Dieffe Arte Contemporanea
Via Porta Palatina 9, Torino
Info: www.galleriadieffe.com; www.mrfijodor.it

Quando lo vidi non c’era

Agnetti a Il luogo di Gauss, Milano FOTO Ugo MulasI decenni rivoluzionari degli anni ’60 e ’70, in Italia hanno visto l’affermazione quasi esclusiva dell’Arte Povera, tanto che tutti quegli artisti di indubbio valore che decisero di non prendere parte al movimento promosso dal critico Germano Celant, ancora oggi vengono ingiustamente etichettati come degli outsider. Poi ci si mettono le ricorrenze, gli anniversari di morte, come era stato per il pittore e scultore Aldo Mondino un paio d’anni fa, o più semplicemente e ammirevolmente l’intraprendenza di un centro d’arte contemporanea di provincia – e quindi, forse, più libero dai diktat del mercato dell’eterno ritorno dell’uguale –, come il CIAC di Foligno, a rendere il giusto omaggio a un artista che in soli quindici anni di carriera ha scritto la grammatica di un linguaggio completamente nuovo, almeno in ambito nazionale.

Agnetti e Scheggi con l'opera Il trono, 1979 FOTO Fabio Donato NapoliVincenzo Agnetti (Milano, 1926 – Milano, 1981), dopo aver vissuto da pittore l’esperienza innovatrice della stagione informale milanese guidata dalla rivista Azimuth, assieme, tra gli altri, a Castellani e Manzoni, decise di abbandonare il pennello e la tela, avvertendo molto presto una naturale insofferenza nei confronti degli stereotipi a cui quella pratica artistica fu presto soggetta. Cionondimeno, l’arte informale già conteneva in sé il germe di ciò che Agnetti avrebbe fatto giungere presto a maturazione. L’auto-esilio sulle coste frastagliate del Nord Europa, novello Wittgenstein anti-logico e anti-linguistico, aiutò l’artista a respirare l’aria innovatrice che giungeva d’oltre oceano, dove Joseph Kosuth aveva da poco dato il via alla ricerca concettuale.

Vincenzo Agnetti, Libro dimenticato a memoriaTornato in Italia, Agnetti fu uno dei pochi a farsi portabandiera del concettualismo artistico, cogliendone tutte le potenzialità teoriche e filosofiche e comunque arricchendolo di un pessimismo esistenzialista che non apparteneva affatto alla matrice statunitense. Fin dalla sua prima vera opera concettuale, l’antiromanzo Obsoleto, terminato nel 1965 ma pubblicato solo tre anni più tardi, Vincenzo Agnetti intrise la sua produzione di un afflato nietzschiano, appropriandosi del motto «Per ogni agire ci vuole un oblio», dalle Considerazioni Inattuali del grande filosofo tedesco. Emblematico, in questo senso, è Il libro dimenticato a memoria (1970), ma tutte le sue opere scavano nei meandri della logica e del linguaggio per farne affiorare le aporie, come accade per Quando mi vidi non c’ero (1971) e Profezia (1970).

Agnetti con la Macchina Drogata FOTO Ugo MulasLa ricca retrospettiva del CIAC di Foligno raccoglie queste e altre cinquanta opere che, come scrive il critico e curatore della mostra Bruno Corà: «sono luoghi vivi dell’immaginario [in cui] il vuoto, il silenzio e l’oblio [sono] sempre latenti […] Dimenticare, perdere, cancellare sono infiniti coniugati alle forme di volta in volta da lui concepite. E sono tutti predicati della memoria e del tempo, attore primario della drammaturgia agnettiana». L’OperAzione Concettuale, che proseguirà fino al 9 settembre, è una mostra che si pone l’illogico scopo di ricordare un maestro indiscusso dell’oblio. Vincenzo Agnetti ne sarebbe andato molto fiero.

 

Fino al 9 settembre 2012
CIAC (Centro Italiano d’Arte Contemporanea)
Via del Campanile 13, Foligno
www.centroitalianoartecontemporanea.com

Il Fotografo. Henri Cartier-Bresson a Torino

Non c’è che dire, quello nato tra la città di Torino e la mitica agenzia fotografica Magnum Photos è uno di quegli amori tanto intensi che i due membri della coppia non riescono a stare l’uno senza l’altro nemmeno per un singolo istante. Mentre alla Fondazione Merz vanno in scena gli scatti realizzati da Josef Koudelka in occasione delle Olimpiadi invernali del 2006, Palazzo Reale, terminata la grande mostra fotografica L’Italia e gli italiani, frutto del lavoro di nove artisti dell’agenzia newyorkese, ospita, dal 21 marzo scorso, un’ampia retrospettiva dedicata al maestro Henri Cartier-Bresson (Chanteloup-en-Brie, 1908 – L’Isle-sur-la-Sorgue, 2004), padre indiscusso del fotogiornalismo.

La mostra, intitolata significativamente Photographe – perché Cartier-Bresson era tutt’uno con la sua macchina fotografica, estensione meccanica del suo occhio, della mente e del cuore – raccoglie ben 130 riproduzioni in bianco e nero che spaziano lungo tutta la carriera del genio francese, dai primi anni ’30, alla fine degli anni ’70, regalando ai visitatori la possibilità di immergere lo sguardo dentro a una serie di momenti ricchi di senso per l’intera storia dell’umanità, come la Cina alla fine del Kuomintang, il funerale di Mahatma Gandhi in India, il campo di deportazione di Dessau in Germania, nel 1945. Eventi raccontati con un tale sforzo di rigore e di misura da spingerci a pensare che non sarebbe stato possibile restituirli in maniera differente dal modo in cui Cartier-Bresson li ha fissati per sempre nel nostro immaginario. Sono immagini di una tale forza che riescono a sostituirsi agli eventi stessi che rappresentato diventandone i ricordi condivisi.

A stupire e affascinare ancor di più sono quegli scatti che ritraggono la gente comune in pose tutt’altro che comuni. Qui viene esaltata l’assoluta maestria del fotografo nel cogliere il “momento decisivo”, quella posa densa di significato che dura un singolo istante e non si ripeterà mai più e che per essere immortalata richiede tanta prontezza quanta pazienza, doti che in Cartier-Bresson lambivano, come in nessun altro, la loro perfezione platonica. Lui lo sapeva che il momento era l’essenza stessa della fotografia e non mancava mai di sottolinearlo. «Le fotografie possono raggiungere l’eternità attraverso il momento», ripeteva da teorico follemente innamorato del suo medium artistico. «Fotografare è trattenere il respiro quando le nostre facoltà convergono per captare la realtà fugace; a questo punto l’immagine catturata diviene una grande gioia fisica e intellettuale. Fotografare è riconoscere nello stesso istante e in una frazione di secondo un evento e il rigoroso assetto delle forme percepite con lo sguardo che esprimono e significano tale evento. È porre sulla stessa linea di mira la mente, gli occhi e il cuore. È un modo di vivere».

Credits:
© Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos

Henri Cartier-Bresson – Photographe

Fino al 24 giugno 2012

Palazzo Reale, Torino

Sito web

Le verità svelate del Prof. Bad Trip

Si può dipingere ovunque, sembra suggerire il Prof. Bad Trip – al secolo Gianluca Lerici (La Spezia, 1962 – La Spezia, 2006) – attraverso le sue opere. Tela, carta, una t-shirt, un francobollo e un muro diventano la stessa medesima cosa quando balena alla mente l’istinto creativo, l’ennesima immagine psichedelica e apocalittica che, da lì  poco, ne saturerà l’intera superficie. Perché è fondamentale che non si lasci il benché minimo spazio vuoto. I colori elettrici, acidi, le forme sbilenche, fluide e ripetitive devono diventare la vostra, la nostra nuova realtà, svelata, più che creata, perché il Prof. Bad Trip, come ogni artista rivoluzionario e irriverente che si rispetti, svela gli inganni delle tinte smorte e delle forme ordinate che siamo stancamente abituati a percepire.

La vita è molto più rosso acceso e verde acido di quanto non si sia disposti ad ammettere. Siamo scheletri robotoci collegati l’uno all’altro da cavi elettrici – visione cyberpunk affacciatasi alla mente dell’artista ben prima dell’arrivo di Matrix nelle sale cinematografiche –; mezzi uomini e mezze macchine (Half Human, 1992) dalle tinte post-atomiche e il Prof. Bad Trip ce lo sbatte in faccia, in assoluta e sfrontata sincerità. Sta a noi accettarlo, specchiarci nelle sue opere multiformi e scoprire ciclopi (Ciclope, 2005), volti trasfigurati dal cervello nudo (Cervello esposto, 2004).

Da perfetta esemplificazione dell’artista sovversivo, maestro indiscusso della controcultura italica, Lerici, in vita, è rimasto un mito dell’underground, diviso tra la realizzazione di grafiche editoriali – Ammaniti, Luther Blisset –, la revisione fumettistica di un classico psichedelico quale Pasto nudo di William S. Borroughs, e le proprie apocalissi punk, che lo hanno accompagnato sin dalla sua nascita artistica, agli albori degli anni ‘80. Solo nel 2009, grazie a una raccolta di oltre cinquemila firme, il Centro d’Arte Moderna e Contemporanea della sua città natale gli ha finalmente dedicato un’ampia retrospettiva. L’anno prima era stato consacrato come figura chiave dell’underground internazionale a Manifesta7, a Bolzano.  C’è voluta un’altra manciata d’anni prima che le sue opere venissero nuovamente raccolte ed esposte alla Galo Art Gallery di Torino – fino al 10 febbraio –, con la curatela di Laura Rossi, Niccolò Bussolati e Alessandro Longo, ma è valsa la pena di aspettare.

Io vi consiglio di cogliere l’occasione al volo. Scansate le gallerie asfittiche, i musei paludati, e immergetevi di testa nel confronto con le visioni del Prof. Bad Trip. Nei suo arcobaleni radioattivi scoprirete più verità di quanta non ne offra la stragrande maggioranza degli incessantemente glorificati artisti contemporanei.

 

Fino al 10 febbraio 2012

Galo Art Gallery

Via Saluzzo 11/g, Torino

I magnifici Otto dell’astrattismo italiano al MACA di Acri

C’è chi festeggia l’Arte povera, chi, per ripicca, glorifica la Transavanguardia e chi, infine, esce dallo stantio schema autocelebrativo proponendo una mostra che è frutto di una ricerca vera e appassionata, nonché di un amore incondizionato per l’arte del Novecento. Mentre nel resto d’Italia si canonizzano i due movimenti creati da Germano Celant e Achille Bonito Oliva – canonizzazione proposta e perpetrata dagli stessi critici/padrini –, al MACA di Acri, in provincia di Cosenza, si rende il giusto omaggio a un gruppo bistrattato e misconosciuto che, nonostante la sua breve parabola, ha dato l’avvio all’arte informale italiana.

Emilio VEDOVA, Oltre, 1987, pittura su tela, cm 61 x 81Il Gruppo degli Otto è passato come una cometa burrascosa nel cielo della pittura italiana del secondo dopoguerra. È durato solo due anni – tra il ’52 e il ’54; appena un paio Biennali di Venezia vissute come gruppo, ma un’altra ventina come singoli, giusto per far capire con che caratura di artisti abbiamo a che fare –, ma è comunque riuscito a lanciare un messaggio forte e duraturo a un mondo dell’arte troppo legato a ideologie politiche che tendevano a confinare l’estro del singolo all’interno di comuni schemi realisti prestabiliti. Per dirsi comunisti bisognava dipingere come Guttuso, altrimenti si era trattati alla stregua di eretici e, proprio come in quegli stessi anni aveva fatto Elio Vittorini scontrandosi contro il diktat di Palmiro Togliatti, così fecero gli otto spiriti liberi che, guidati dal critico Lionello Venturi, decisero di dire basta alla stanca vicenda del Fronte Nuovo delle Arti, aprendosi alle ventate di novità che giungevano dagli Stati Uniti e dalla vicina Europa.

Afro, Birolli, Corpora, Moreni, Morlotti, Santomaso, Turcato e Vedova capirono, in anticipo sui loro connazionali, che per un artista era fondamentale seguire il proprio animo e distenderlo sulla tela seguendo solo le proprie inclinazioni, senza istruzioni esogene. Certo, la mancanza di un vero e proprio Manifesto, accomunata ai forti caratteri che contraddistinguevano ciascuno degli Otto, fece in modo che l’esperienza tramontasse precocemente, ma guardando le quaranta opere – tra tele di grandi dimensioni e litografie – in mostra al MACA fino al 26 febbraio 2012, si capisce che quel tragitto fatto insieme, seppur breve, fu ricco di stimoli reciprochi, tanto che in Mattia Moreni capita, a volte, di cogliere l’impetuosità di Emilio Vedova e in Giulio Turcato le geometrie di Renato Birolli. La mostra non presenta solo opere create nei due anni di vita del gruppo – anche se non mancano alcune importanti testimonianze del periodo –, ma segue i suoi protagonisti nella loro personale vicenda, offrendo una panoramica esaustiva capace di restituire proprio quel marcato carattere di cui ho già accennato e che ha fatto sì che tra gli Otto non ci siano comparse, ma voci tonanti e intense da veri protagonisti dell’arte del secolo scorso.

AFRO Libio Basaldella,1963,  tecnica mista su carta di giornale, cm.43X63Ennio MORLOTTI, Composizione,1973, olio su tela, cm 100x80Mattia MORENI, Immagine Bestiale, 1960, olio su tela, cm 190x190Antonio CORPORA, Movimento,1975, olio su tela, cm 65x81

ASTRATTOCONCRETO. Il Gruppo degli Otto

Fino al 26 febbraio 2012

www.museovigliaturo.it

Andy Warhol e l'essenza dell'apparenza

È proprio vero che gli anni ’60 non passano mai di moda. A riprova di ciò si potrebbero citare un’infinità di esempi estratti da qualsivoglia settore culturale possibile e immaginabile. Giusto una manciata di giorni fa, per dire, Paul McCartney registrava il tutto esaurito sia a Milano che a Bologna. Questo vale anche per l’arte, ovviamente. Basti pensare che, dall’ottobre scorso, l’intera penisola è infestata di mostre dedicate all’Arte povera (e noi non ce le siamo lasciate scappare). Ma se c’è un artistica che, più di tutti gli altri, è sinonimo di quel decennio straordinario, questo è senza alcun dubbio Andy Warhol.

La mostra Dall’apparenza alla trascendenza – fino all’11 marzo 2012 al Centro Saint Benin di Aosta –  ripropone il percorso creativo del padre della Pop art attraverso una collezione di oltre settanta lavori, tra cui spiccano le celeberrime “icone” che, assieme alla serie di opere dedicata alle zuppe Campbell, sono l’essenza stessa dell’arte warholiana. I variopinti ritratti di Mao Tse-Tung, Marylin Monroe e Liza Minnelli – tutti presenti in mostra – sono quasi più riconoscibili dei volti reali degli stessi personaggi e certamente hanno avuto un ruolo fondamentale nello spingerli oltre la semplice fama, ergendoli al rango di icone immortali.

L’allestimento curato da Francesco Nuvolari, però, trova il suo vero punto di forza nel tentativo, riuscito, di andare oltre la mera proposta di opere arcinote a tutti – per quanto geniali e quindi sempre godibili –, inserendo l’artista originario di Pittsburgh all’interno di un contesto più ampio, quello della società dell’immagine, di cui egli stesso fu uno dei più celebri portabandiera. La serie degli Space Fruits, i già citati ritratti delle zuppe Campbell – riprese addirittura su di un sacchetto della spesa di carta, del 1966, e sulla tomaia di un paio di scarpe distribuite al Club 54 di New York, nel 1978 – e, soprattutto, la sorprendente collezione di copertine di dischi – da Sticky Fingers dei Rolling Stones, autografato da Mick Jagger e dallo stesso Warhol, fino alla celeberrima banana dei Velvet Undeground – testimoniano perfettamente di una creatività vulcanica sempre connessa a uno spiccato spirito imprenditoriale e opportunistico.

Perché, se Warhol è Warhol, cioè il nome più famoso dell’arte del secondo dopoguerra, è proprio grazie alla sua geniale trovata di “abbassare” l’arte al livello dei prodotti commerciali, rendendola, in un certo senso, più democratica, perché più facilmente reperibile, acquistabile, e quindi inserendola nel meccanismo della macchina consumistica. Lui che aveva predetto i 15 minuti di fama per ogni essere umano, aveva perfettamente capito come guadagnarsi la gloria immortale.

Andy Warhol - Judy GarlandAndy Warhol - Liz TaylorAndy Warhol - ManRay 1974Andy Warhol - InterviewMagazine Madonna 1985Andy Warhol - Liza Minnelli white ground 1978

 

Andy Warhol. Dall’apparenza alla trascendenza

Fino all’11 marzo 2012

Centro Saint Benin, Aosta